东方美学意境

　　张晋从骨子里就喜欢东方古典文化，他小时候住姥姥家，门口就是荷塘，每天早上荷塘上雾气笼罩，无边无际的感觉如天际一般，非常震撼。而他的作品也表现出了雾水濛濛，蕴含着诗意和禅意。他的画一定要听着古琴喝着茶，安安静静地去欣赏。

　　不理解他的人觉得画意凄惨，但张晋觉得画中的“凄惨”代表着一种人生阶段，人生到了老年、季节轮回到冬季，深山老林，枯藤老树昏鸦等种种情境都是中国古代文人寻找的一种苍老境界。在外国画中就很少有画冬天的景色，而中国很少有画夏天的景色。张晋跟老庄思想有些贴近，没那么浮华，很随心，这就是东方美学。

　　从艳俗到凄美

　　张晋追求的这个美学境界从最开始的艳俗一直到凄美，凄美是东方人的一个主要线索，古人画的山水多半是画荒山野岭，像《清明上河图》这种繁华闹市很是罕见，但是在《清明上河图》的开卷也是很凄凉的，雾雾沼沼的沼气、一堆干枯的树枝……从隋唐一直到晚明都具有这个特点。中国画里讲水墨，线条就是笔，墨分五彩。张晋并不是追求艳丽的色彩，而是运用东方人的气质跟他本人的性格微妙的融合在了一起，自然的呈现在画布上了。

　　画家分几种境界，第一种就是用手和眼在画，第二种是用思想在画，第三种就是用心去画，比如说梵高，他是一个很火热的画家，他的画中也会存在一些很小的细节。比如葵花籽绕了一圈又一圈，里面也会有一些小籽，他认真中带有粗狂，粗犷中不乏细节，这种用心去表达的画家能够敏锐地扑捉晦涩心情下的微妙差别。再比如说莫奈，他可以区分傍晚时的天空颜色。就像是狼的眼睛和狗的眼睛中眼白的区别，可以达到很极致的颜色辨别力。这些都是西方艺术家的特质，而张晋的特质在于心情，在他画面中对细节的透露，就像一首降调的曲子中出现一些紧凑的高潮，这种对绘画自身节奏的把控是非常重要的。张晋不追求精致的细节，比如莲花的莲藕、莲子等。为什么我们看到的这些细小的东西他“视而不见”，但跟我的心境没有关系就可以回避，这就是为什么他总是回避画那些细枝末节，回避画个体的原因。他追求整体的东西，而整体的东西只有用写意的方式才能直抒胸臆。

　　坚持在一个系统里思考

　　张晋的创作在形式上主要以系列画为主，不求绘画形式的多样性，而是坚持在一个系统里思考。这种思考方式也不是我们现代人发明的，如日本浮世绘的大师葛饰北斋，他画了富岳三十六景，因为富士山是日本无可超越的神山，他根据不同的角度和不同的季节去表现这个山。这种形式后来传到欧洲，莫奈借鉴了这种方式，他画的鲁昂大教堂，画了有二十多张，以及面对同一片风景不同的时间去作画，这种形式应该是从日本传到欧洲，印象派首先把它固定成一种创作方式，莫奈他是从时间上考虑：上午、下午、中午、阴天、晴天、雪天。“光”在他的画面中是有生命的，不同的时间有不同的颜色，莫奈的画首先体现出来的是时间特性。而张晋这个系列的作品，我们感觉不到很强的时间性，或者说他不去追求这个表面的浮光掠影的光影变化，而是随着心境来创作的，什么心情就用什么色调。

　　心情是无法重合的

　　中国的画家对表现荷花一直都很热衷，像八大山人、徐渭，齐白石等都画过这类作品，张晋虽然喜欢荷花，但是他的画已经过渡到心理表现阶段，他的色调一定是跟他心情有关系的。几年前他因为母亲的离世，他的作品自觉不自觉的随心情也到了一个灰色阶段，因为东方人的审美主要是模糊、凄凉、虚幻的，中国人更多是倾向于文学和哲学，而西方人主要是崇尚科学。

　　整个二十世纪都在讲视觉变化，都在形式上玩花样，从印象派开始一直到美国的抽象表现主义，或是大色域画派，基本都被演练了一遍，一直到后来的录像装置都在形式上寻求变化。但是艺术最终就是用心理表达而不是视觉表达。追求的是心理快感，他能放弃多少事情，专注于心理表达，这恰恰是艺术的真正本质。张晋的荷花抒发的是他的胸中逸气，可能这只与他那一秒的心情有关系，因为艺术作品是艺术家心灵的符号，他的目的是要将心中的东西表达出来，但读者永远不会看明白，因为你的心情跟他的心情不可能重合。虽然相互了解后我们会有某一方面的趋同，但是你永远不可能在当时当地与他重合，这是艺术和科学的区别。比如爱因斯坦的相对论公式，你可以推论很多演算很多，但是你无法带着公式去解读艺术品。

　　内敛而平凡的表达

　　在这个不嚎叫就无法突显自己的迷乱世界，难能有一位寡欲的清士静静的似太公钓鱼般面对一片荷塘，洗尽繁华，独钟情于四时的变幻。不夸张任何细节，不媚俗任何达人，一幕幕真实地记录某一刻的感受，张晋似乎在等待什么，但肯定不是庸俗的等待，或许这种表达就是唐代诗人王维说的“孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”。在闹市中，永远看不见他，暮然回首，那人却在灯火阑珊处。